"O HOMEM COM A FLOR NA BOCA"

Cacá Carvalho em "O Homem com a Flor na Boca", de Pirandello, direção Roberto Bacci.

                                                       (Foto Lenise Pinheiro)

CRITICA  TEATRAL

IDA  VICENZIA  FLORES

(da  Associação  Internacional  de  Críticos  de  Teatro -  AICT)

(Especial)

O  TEATRO  RADICAL  DE  CACÁ  CARVALHO

Quem conhece o trabalho de Cacá Carvalho, sabe do que estou falando. Teatro radical. Para quem ainda não o conhece, essa é uma boa oportunidade de fazê-lo. Atualmente em cartaz no Mezanino do Sesc Copa, Rio de Janeiro, Cacá lança um novo estilo de monólogo, que se completa com a presença exclusiva da platéia. O Nobel de teatro de 1934, Luigi Pirandello, com seu texto, e o diretor Roberto Bacci, com a sua encenação, procuram a emoção direta com leitor e com o espectador.

     Nestes pequenos contos - e um romance - do siciliano, interpretados por Cacá, é impossível controlar o ator. Dirigido por Roberto Bacci, da Fondazione Pontedera de Teatro, Itália, os monólogos dessa Trilogia: "O Homem com a Flor na Boca" (comentado agora), "A Poltrona Escura" e "umnenhumcemmil" - extraído do último romance do autor siciliano, são  apresentados em dias alternados. Aconselha-se a assistir os três. Interessante observar que, neste "O Homem...", os dois (diretor e ator), levam a platéia a um compartilhamento, por vezes involuntário, mas muito receptivo, em uma aproximação palco/platéia. Podemos dizer que tal situação foi vivida, e com a mesma intensidade, em "Hoje é Dia de Rock", nos idos dos anos 70.

     A "performance" de Cacá Carvalho nos trás de volta a vivacidade do teatro, sua razão de ser: o compartilhamento. Para quem vai assisti-lo somente para conhecer o célebre "Macunaíma", de Mario de Andrade/Antunes Filho, não pode esquecer a pluralidade desse ator, que já vimos se transformar em cena num felino, em "Meu Tio Iauaretê", de Guimarães Rosa, além de tantas outras façanhas interpretativas dignas de nota. A apresentação de 2013, de Cacá Carvalho no Rio estabelece, a cada dia, uma performance diferente. São espetáculos independentes. A cada apresentação, o acolhedor Mezanino do Sesc Copa transforma-se. A disposição das cadeiras é organizada conforme as indicações do diretor, do ator e do cenógrafo (Mário Medina, que também é encarregado do figurino de Cacá), em compasso com o iluminador (Fábio Retti). A dramaturgia é de Stefano Geraci. A tradução, de Cacá Carvalho.  

     Antes do espetáculo, uma recepcionista indica os lugares onde o público deve ficar, alternando homens e mulheres, em posições estratégicas, principalmente neste "O Homem com a Flor na Boca" - pois o personagem de Cacá vai travar uma contenda, que visa a já tão convencional "relação homem/mulher".

       O furor interpretativo do paraense pega o público de surpresa. Há uma angústia "do fim que se aproxima", há a poesia envolvendo esse fim - e o desespero. Isso é o que pode ser dito sobre o espetáculo. E, no final da apresentação o ator se transforma, dirigindo-se à platéia, e o faz com surpreendente sensibilidade e empatia. Então, percebemos que não estamos na presença de uma fera simbólica, como tigre, em Iauaretê, muito menos na presença de um homem revoltado, como em "O Homem com a flor na boca", mas em contato com o doce e verdadeiro Cacá Carvalho. Interessante esse recurso do ator para seduzir platéias, a cada final do espetáculo. Não percam as próximas apresentações desse ator tão singular. Com certeza teremos mais surpresas. Há alguns anos Cacá isolou-se em Pontedera, na Itália, onde faz descobertas de linguagem teatral, sob a orientação do diretor Roberto Bacci.

(Assessoria de Imprensa Lu Nabuco)

"CLIMAX"

Claudia Ohana e Domingos Oliveira em "Climax"

(Foto Guga Melgar)

CRÍTICA TEATRAL

IDA VICENZIA FLORES

(da Associação Internacional de Críticos de Teatro - AICT)

(Especial)

QUANDO HOLLYWOOD É DESTAQUE

Agora rebatizo a minha crítica da peça "Climax", de Domingos Oliveira. O cinema de Hollywood é destaque, porém, quando os atores de Domingos se entregam às possibilidades de reflexão disponibilizadas pelo jogo do xadrez, ficamos com a impressão de uma citação a “O Sétimo Selo”, de Ingmar Bergman. Esse jogo é uma constante no trabalho de Domingos, possibilitando reflexão e desafio. Bergman não é citado, mas o jogo de xadrez com a morte, proposital ou não, nos remete ao clima da peça: também em "Climax" há um quebra cabeça que se completa no final.

     A peça em cartaz no Teatro Gláucio Gill é um thriller policial. Entretanto, neste suspense há achados de verdadeira comédia que conseguem surpreender, principalmente quando o delegado Bocaiúva  (José Roberto Oliveira) se revela um histriônico, e as linguagens se confundem, em um jogo bem-humorado. O delegado conta ao escritor Felipe (Domingos Oliveira), os males que enfrenta um homem com problemas na próstata! Ao permitir que um médico seja o árbitro do bom funcionamento de seu corpo, Bocaiúva transforma queixas em puro non sense. O caso se agrava com a reação do escritor Felipe, que aconselha, entre perplexo e constrangido: “vamos mudar de assunto”... “vamos mudar de assunto...” 

    E assim, neste clima de comédia e suspense freak se desenvolve “Climax”. Muito divertido e original, apesar de brincar com estilos e acontecimentos já nossos conhecidos: a originalidade está na maneira de dizê-lo.  Todos os  movimentos nos levam à busca de um “serial killer”, embora entremeados com citações e situações ao estilo de Domingos Oliveira. Para quem não conhece esse estilo: compaixão pela humanidade, confusão nos sentimentos e senso do trágico da vida.

     Dessa vez Domingos nos brinda com músicas e cenas de filmes inesquecíveis; faz seus atores assisti-los e comentá-los em cena. E finaliza com um “life is a cabaret, old champ, only a cabaret”!Neste percurso vamos tomando conhecimento do talento de Erika Mader – e Domingos em seus diálogos que criaram estilo: “Eu não estou apaixonado por você!” – diz Felipe, o escritor, para a  sua digitadora (Mader) – “mas basta você sair para buscar um cafezinho, que eu já sinto saudades!” Curtimos a naturalidade de seus atores, e o patético que eles apresentam. Que o diga o ator Matheus Souza, em performance naturalmente “over” de um fanático apaixonado.

     Na ficha técnica temos a voz de Roberto D’Ávila em off, representando Buarque, o milionário apaixonado pela ex de Felipe (ótima interpretação de Cláudia Ohana); ambientação,  Domingos Oliveira e Luiz Praddo; Iluminação  - suspense e tragédia – de Paulo César Medeiros; figurinos (muito bons), Renata Paschoal e Priscila Rozembaum;   Assistentes de Produção (Janaina Santos)  e (direção) Tracy Segal e Sol Miranda.  Ocupação Teatro Glaucio Gill: Produção Leila Meirelles. Produção Executiva: Luiz Praddo .

"SARAU DAS PUTAS"

Foto divulgação: "Sarau das Putas", com o diretor Ivan Sugahara (ao centro). À sua direita, a cortesã francesa Marcelle La Pompe. Teatro Poeira, Rio de Janeiro.

(foto divulgação

CRÍTICA DE TEATRO

IDA VICENZIA FLORES

(da Associação Internacional de Críticos de Teatro – AICT)

(Especial)

Falar em prostituição, hoje em dia, pode estar tão ultrapassado quanto falar em choques elétricos nos manicômios, embora os autores de “Sarau das Putas”, Ivan Sugahara, Renata Mizshai e Vitor Barbarisi não pensem assim. Há várias maneiras de abordar o assunto. Texto e direção do espetáculo pensaram em abordá-lo como denúncia e ...  um certo romantismo à La Marguerite  Gautier! Tanto assim que foram buscar uma personagem francesa, do séc. XIX, para ilustrar o tema. Puro acerto. A prostituição, em nossos dias, não tem todo esse glamour. Porém, reconhecemos que possui um certo apelo financeiro, que continua a agir sobre as mentes e corações ocidentais.

Depois que as mulheres descobriram que o prazer substitui o choque elétrico, o número de histéricas diminuiu nos manicômios. Isso é verdade. Podemos até lamentar (os que gostam de arte), que, uma vez enterrado o Romantismo das hemoptises, passou o tempo heróico, e a prostituição se generalizou.  Agora é o gozo pelo gozo, e só não o prova quem não quer.

Acontece que Mizhai, Sugahara e Barbarisi colocaram o “patrocínio”, tão em moda entre nós, para justificar a prostituição. Patrocina-se  a faculdade, a doença na família e, principalmente, patrocina-se o prazer! Talvez a palavra “prostituição” esteja ultrapassada. Ou somos todos prostitutos? O fato é que essa palavra adquiriu os mais variados sentidos. E está muito em moda: a prostituição da alma, infelizmente, é praticada pela sociedade e se chama corrupção.

Porém este tema, pelo menos entre os/as intelectuais, sempre atraiu a imaginação e foi  contemplado com  uma aura do romantismo jamais ultrapassada. E essa aura está presente neste “Sarau das Putas”, pelo menos em seu início, no primeiro ato. Os autores resolveram contratar os serviços de  uma cortesã francesa do século XIX para animar a festa! Há, no ar, a sensação do elogio ao gozo. Fica para o segundo ato a tarefa de colocar as coisas em seu devido lugar.  No início, o espetáculo corre o risco de parecer uma ode à prostituição, com aquelas belas moças e seus belos figurinos (uma pesquisa caprichada de Tarsila Takahashi), e músicas muito bem  selecionadas  para a ocasião.

Os autores parecem acordar, no segundo ato, quando a platéia já desanimava de ver a realidade em cena. Pelo que nos foi dado perceber, as felizes, engraçadas e, de certa forma, refinadas  prostituas do primeiro ato não têm nada contra o confinamento das orientais nos haréns dos sultões, pois esse é o cotidiano que elas parecem viver, com algumas exceções, e muito prazer.

O texto é feito de depoimentos, e eles deixam entrever um ideal de  periquete com  “amor  estável” esperando-as em casa.  Algo meio no estilo Bruna Surfistinha, a prostituta que contou sua vida em livro.  Saugahara deixa-nos entrever, no primeiro ato, a sexualidade livre na qual  já apostava ao encenar  “Antes que você me toque” . Talvez sua compaixão e amor pelas mulheres o leve a tal preocupação, o que é louvável. Mas o que sabemos é que, por mais rebeldes e interessantes que  as prostitutas queiram parecer, elas carregam o ônus de uma vida sem brilho. E não são donas do próprio nariz, pois dependem de seus clientes. Ora, pensando bem, todos os negócios dependem dos clientes! Não há como escapar da proposta do espetáculo: um novo olhar sobre a prostituição. Devemos, então, procurar  esse olhar na visão sem preconceito das sociólogas?

As interpretações das treze atrizes são nada menos do que brilhantes, principalmente a cortesã francesa Marcelle La Pompe, interpretada por Laila Garin. As treze artistas que formam o elenco (essencialmente feminino, com algumas intervenções masculinas, de platéia), demonstram grande profissionalismo e talento. É de louvar a exposição a que todas elas se submetem. As treze são: Laura Limp (a bela Ella), que dá aflição na platéia com a sua presença física (e não direi o porquê). Ao passar rapidamente por todas as personagens não há desvalia, pois o elenco está muito bem equilibrado entre o talento e a segurança das atrizes. Livia Paiva (Fabricia); Nara Parolini (Ana Foguete, grande carisma); Gisela de Castro (Gabriela); Juliana Terra (Salete); Carolina Ferman (Rainha Gita), Rita Fisher (uma Rebecca Rabit impressionante!); Rose Lima, total carisma (Amanda); Tatyane Mayer (Lolla); Nathália Mello (Salomé); Renata Guida (Karina) e Carol Garcia (Celeste). Algumas com presença de garotonas de Ipanema, tornando quase inverossímil a sua opção, outras passando o desespero e o prazer de quem vive no fio da navalha, “Sarau das Putas” é uma declaração de amor às mulheres; uma ode ao gozo, e uma advertência social.                 

Uma observação importante sobre a cenografia de Diego Molina: o interior é criado com  grandes reposteiros vermelhos suspensos no ar; tapetes orientais e móveis de gosto duvidoso, compondo o clima peculiar desses ambientes. A trilha sonora de Ivan Sugahara e Vitor Barbarisi é também um ponto alto do espetáculo, com as “periquettes” cantando, e algumas vezes dançando,  suas músicas temas. Destaque para o funk de Valesca Poposuda “Grelo” e “Boladona”: uma contravenção!  A preparação vocal é de Ricardo Góes. Há, no espetáculo, as iluminações intermitentes de Ana Luzia M. de Simoni alternando seu foco entre palco e  platéia...  Interessante observar que, no programa, os nomes do elenco e produção aparecem em “criação coletiva”. Essa maneira de trabalhar o coletivo transparece no espetáculo. Além disso, há, em Sugahara,. uma mistura oriente/ocidente, unida a uma desafiadora identidade ocidental, adquirida em sua formação na Amércia do Norte, que parece querer desmistificar tabus que ainda imperam cntro nós, como a abordagem da sexualidade, do ponto de vista feminino. Vale à pena dar uma conferida neste Sarau!      

                                                      

"REALISMO"

João Velho e elenco de "Realismo", texto de Anthony Neilson  (foto cartaz divulgação)

CRÍTICA TEATRAL

IDA VICENZIA FLORES

(da Associação Internacional de Críticos de Teatro – AICT)

(Especial)

     “Realismo”, peça de Anthony Neilson, direção de Tato Consorti, em cartaz até o dia 31 de março na Justiça Federal da Av.  Rio Branco/RJ,   é um exercício de atenção, timming e “destreza moral” contemporânea, tanto para o elenco quanto para a platéia. Em pouco mais de uma hora, o pequeno apartamento de João Velho, o protagonista, serve às intenções do autor, e todas as abordagens (ou quase todas), as abordagens do mundo moderno se fazem presente. Não se sabe o que o protagonista João Velho (o mesmo nome do ator), quer fazer naquele sábado, a não ser  ficar sozinho. Sem chance. Tempos e personagens vão reafirmando uma convivência, pouco provável, entre passado e presente. É quando mãe, namoradas, pai e amigo se encontram, alternando-se em situações aparentemente aleatórias, porém que vão construindo o texto. Aí percebemos, em cena, elementos do teatro contemporâneo, e suas aventuras de linguagem. É quando o público vai armando o quebra cabeça do que é representado. E é quando realidade e fantasia se fazem presentes, na cabeça de João Velho, o protagonista, intercalando vida e lembranças.

     A cobrança dessas lembranças se impõe e, finalmente, o amor maduro  cobra e determina o presente. Tudo acompanhado por um gato sestroso, uma máquina de lavar que fala, e a crítica voraz à propaganda  invasiva, através de uma conversa ao telefone.  Na encenação há flashes onde o misticismo convive com a traição (cenas altamente irônicas); onde amizade e amor convivem com hipocrisia e inveja. Porém, no  emaranhado dessas situações, eis que surge um realismo controvertido. Onde o realismo?  Podemos imputá-lo, e tão somente, às atitudes do cotidiano do protagonista lavando roupa, preocupando-se em comer, ir ao banheiro, ver TV, posicionar-se politicamente, fazer ginástica. Porém, esse cotidiano é tão fracionado que transforma em forma caótica (irreal?) tudo o que toca.

     O ator/protagonista (João Velho) sustenta com fôlego e convicção os impactos do mundo moderno, o mesmo acontecendo com a mãe (Daniela Galli), e as namoradas Ângela (Paula Braun), e Laura (Beatriz Bertu). Não é uma peça de fácil elaboração, percebemos o pêndulo do tempo acelerando as interpretações. Nesse sentido, o personagem do pai (Adriano Saboya) é o menos solicitado. O mesmo não se pode dizer do amigo (Átila Calache?), que se desenvolve em absurdos do inconsciente. Uma comédia contemporânea, que oscila entre teatro, e a compreensão de um possível teatro de união de linguagens - sendo a comédia a dominante - sobrepujando o drama do desencontro dos amantes. Concordamos com o diretor quando nos diz que é uma comédia que beira o politicamente incorreto. Algo que desequilibra a platéia.Ótima a cena do debate político invertendo a tela da Tv. Todo o elenco e, além dos já citados: Christian Landi.

     A trilha sonora de Átila Calache e Tato Consorti  é a responsável pelos bons momentos da ação, o mesmo podendo-se dizer da iluminação de Tomás Ribas. A direção de movimento é de Marcelle Sampaio: certamente, colocar esse relógio de precisão, que é o movimento dos atores, em boa sintonia, não deve ter sido trabalho fácil. A  cenografia hiperrealista é de Aurora de Campos. Os figurinos de Antonio Guedes reforçam o clima realista e enfocam épocas (veja-se o guarda roupa elegante da mãe anos 50). “Realismo” é uma comédia instigante, que faz pensar e divertir. Não percam!